Rusty James de Francis Ford Coppola


 Rusty James


Francis Ford Coppola · États-Unis, 1983 

Avec Matt Dillon, Mickey Rourke, Dennis Hopper



Il arrive que l'on entre dans un film, non pas par l'histoire, non pas par les personnages, mais par une lumière. Une lumière qui tombe d'une certaine façon, qui cisèle les visages et qui vous convainc, avant même que la première réplique soit prononcée, que vous vous trouvez en présence de quelque chose de rare. Rusty James est ce film-là. Celui dont on ressort troublé, non pas parce que l'on a été remué par une intrigue, elle est belle, certes, elle porte sa part de vérité et de douleur, mais parce que l'on a traversé une expérience visuelle d'une cohérence presque vertigineuse.

Le parti pris est saisissant dès les premières images. Ce noir et blanc, que l'on serait tenté de dire bressonien, si Coppola n'y insufflait pas une sensualité toute américaine, n'est jamais un ornement nostalgique, jamais une affectation d'auteur. Il est la condition même du film. Il dit l'époque révolue, la jeunesse qui se déchire, l'impossibilité de tenir les promesses que l'on s'est faites à soi-même. Le monde de Rusty James n'a pas de couleur parce qu'il n'a plus d'avenir.

Matt Dillon porte ce film sur son visage autant que sur ses épaules. Coppola le saisit en gros plans d'une intensité troublante, capturant les nuances d'une confusion que les mots ne sauraient tout à fait dire. Et c'est sans doute là le génie de l'entreprise : confier à l'image ce que le récit ne peut qu'esquisser. Mickey Rourke, lui, traverse l'écran comme un ange fatigué, une présence qui éclipse tout sans effort, dont le corps seul semble contenir tout ce que le film veut raconter sur la beauté inutile et la mort lente des mythes.


Coppola travaille ici dans un registre qu'il n'a que rarement retrouvé par la suite : celui du poème cinématographique, où chaque plan vaut pour lui-même, indépendamment de la chaîne narrative. Quarante ans après sa sortie, Rusty James demeure une énigme lumineuse dans la filmographie de son auteur. Un film que l'on redécouvre moins pour ce qu'il raconte que pour ce qu'il fait à nos yeux. Et il est des films dont on ne demande rien d'autre.



la grâce de l'image pure


Commentaires

Enregistrer un commentaire

Posts les plus consultés de ce blog

"Le CHANT des LIONS" Théâtre Tristan Bernard

Image
  Au  Théâtre Tristan-Bernard , " Le Chant des lions" , écrit par  Julien Delpech  et  Alexandre Foulon  et mis en scène par  Charlotte Matzneff , propose un théâtre d’une belle tenue : à la fois vivant, accessible et profondément habité par son sujet. Sans jamais chercher l’effet spectaculaire, la pièce parvient à faire revivre une rencontre et une époque avec une justesse qui retient l’attention du début à la fin. Le récit s’attache à la relation entre la chanteuse  Germaine Sablon  et l’écrivain  Joseph Kessel . Leur histoire personnelle se noue dans un moment où l’Europe s’apprête à basculer, et la pièce suit la manière dont leurs vies, d’abord guidées par l’amour, se trouvent progressivement entraînées vers un engagement plus vaste. Ce glissement du sentiment vers l’Histoire constitue la véritable colonne vertébrale du spectacle. Ce qui séduit surtout dans l’écriture de Delpech et Foulon, c’est leur manière de ne jamais écraser les ...
Lire la suite

Antigone de Jean Anouilh au Théâtre de Poche Montparnasse

Image
Avant d'y aller, j'avais relu Antigone . Je voulais avoir le texte vivant en moi avant d'entrer dans cette petite salle du boulevard Montparnasse. Et c'est cette lecture fraîche qui m'a permis, dès les premières minutes du spectacle, de mesurer la fidélité absolue de ce que Didier Long propose et l'intelligence avec laquelle il s'en empare. Il faut dire d'emblée que la mise en scène m'a d'abord déconcerté. Le dépouillement radical de l'espace, le refus de tout ornement, une certaine austérité dans les partis pris scénographiques. J’ai eu, les premières minutes, le réflexe du spectateur qui résiste. Puis, très vite, j'ai compris. Ce n'est pas de la sobriété pour la sobriété : c'est un choix qui sert la pièce avec une cohérence absolue. Dans cette salle d’une centaine de places, la proximité fait office de loupe. Chaque silence pèse. Chaque regard compte double. Le Poche est un théâtre qui oblige à la vérité et cette mise en scène ...
Lire la suite

"Le portrait de Dorian Gray" au Lucernaire

Image
Avant les filtres Instagram et l’algorithme qui récompense la perfection, Oscar Wilde avait déjà inventé le cauchemar moderne : un Dorian Gray qui reste jeune et likable forever… Au Lucernaire,  Le Portrait de Dorian Gray  prouve qu’Oscar Wilde n’a pas pris une ride La nouvelle adaptation proposée par Thomas Le Douarec ne cherche pas à moderniser l’œuvre à coups d’effets spectaculaires. Elle fait mieux : elle lui fait confiance. Et c’est peut-être là, paradoxalement, son geste le plus audacieux. Dans cette reprise donnée au Lucernaire, la mise en scène s’inscrit d’abord dans une tradition théâtrale presque rituelle. Les trois coups solennels qui ouvrent la représentation rappellent ce cérémonial ancien qui précède l’illusion. Le texte de Wilde est respecté dans toute sa précision ciselée, comme un bijou qu’on manipule avec précaution. Et lorsque vient le salut final, les comédiens redeviennent simplement des acteurs, comme si, après avoir traversé les ombres de l’âme humaine, ...
Lire la suite